Автор: Игорь Волошин
Как известно, в конце 19-го - начале 20-го веков волна еврейской эмиграции хлынула в Соединенные Штаты Америки. Большинство эмигрантов бежали прочь из российской черты оседлости от антисемитской политики царской власти, с мечтою о новой счастливой жизни. Они надеялись найти работу, дабы достичь благополучия, подняться до уровня жизни американцев, и мало кого волновали социально-политические проблемы Америки.
Однако некоторая часть беженцев, уставшая бороться за свои права в России и находящаяся под влиянием коммунистической пропаганды, уезжала из России зараженная левыми идеями, которые принесла с собой в Америку, вместе с обострённым чувством социальной справедливости. Будучи неспособными повлиять на царский режим, и пользуясь американской свободой, они решили перестроить Америку под свои требования и занялись решением местных проблем. Хотя, справедливости ради, стоит отметить, что проблем в стране и самом деле было немало.
Социальная активность восточно-европейских евреев передавалась от родителей детям и далее – внукам, уже рожденным в Соединенным Штатах. Давно ушло самое старшее поколение еврейских эмигрантов, ушли их дети, давно постарели внуки, а то и правнуки, но еврейский левый активизм до сих пор никуда не исчез, что весьма заметно в поддержке еврейскими организациями типа J-street и даже иными реформистскими синагогами крайне левых радикальных политических групп, таких как BLM, разнородных коммунистических и социалистических организаций и даже BDS. Но, позвольте закончить мое несколько эмоциональное вступление, продиктованное событиями последнего времени в США, и перейти к теме очерка.
В числе борцов начала прошлого века было немало гуманитариев, среди которых не последнее место занимали художники. Вероятно спустя столетие мы не вправе их осуждать, но не упомянуть об этом я не могу, поскольку речь в очерке пойдет об одном из наиболее радикальных и талантливых художников.
Очевидно я взялся за неблагодарное дело – в самый разгар левой истерии пишу о человеке крайне левых взглядов, но что поделать, коль в то время многие художники были в этом замечены. Поэтому сделаю упор на то, что Митчел Сипорин был в первую очередь выдающимся мастером, имя которого не стоит забывать, и в мои планы изучение и осуждение его политических взглядов не входит. Мне просто хочется рассказать о человеке большого таланта.
Митчел Сипорин родился в Нью Йорке 5 мая 1910 года с семье еврейских эмигрантов из Польши - водителя трака и профсоюзного лидера Хаима Сипорина и художницы Гени Сипориной. Такое сочетание оказалось не случайным и влияние родителей было настолько велико, что оказалось решающим в профессиональном выборе, хотя, как утверждал сам Сипорин, становиться художником он не собирался и профессионального образования, по утверждению его дочки профессора искусств Рэчел Сипорин (Rachel Siporin), так и не получил (1). В семье говорили только на идиш, но в отличие от некоторых других американских художников, большого интереса к своим корням Митчел в молодые годы не проявлял, пока во время второй мировой войны не столкнулся в Европе с жертвами Холокоста, что, безусловно, повлияло впоследствии на его интерес к Израилю.
Однако стать ньюйоркцем будущему художнику не было суждено, поскольку уже через год семья переехала в Чикаго. Детство Митчела прошло в Западной части города (West side), в то время одном из главных мест расселения восточно-европейских евреев.
Способности к живописи проявилась у юного Митчела достаточно случайно в классе ботаники. После того как он по заданию преподавателя нарисовал весьма правдоподные иллюстрации, одноклассники стали его величать «Митчел Сипорин, художник». После этого он и сам стал себя таковым считать, и, как мы увидим, не без основания.
Сипорин довольно рано проявил себя как талантливый график, иллюстратор. С начала тридцатых годов популярные журналы Esquire, New Masses и Ringmaster с охотой стали публиковать его рисунки на бытовые или религиозные темы.
Однако с ранних лет в работах Сипорина появилась и политическая тематика. К середине 30-х годов он создал свою первую серию из 25 графических работ большого формата, посвященную бунту на чикагском Сенном рынке 4 мая 1886 года (1886 Haymarket Riot) и его трагическим последствиям. Бунт закончился арестом 8 лидеров чикагских анархистов, с вынесением смертного приговора четырем из них и пожизненными сроками еще троим (восьмой покончил с собой, находясь в застенках), обвиненных в убийстве семерых чикагских полицейских. На самом деле анархисты к бунту отношения не имели, и расправа властей вызвала резкий подъем рабочего движения по всей стране, а затем и по всему миру. Эхо этого события докатилось до нашего времени в виде Первомайского дня труда.
Не удивительно, что будучи сыном рабочего лидера, 24-летний художник не мог пройти мимо столь важного события из сравнительно недавнего прошлого. Прежде чем приступить к работе, он долго и тщательно изучал все эпизоды бунта, и серия работ получилась исключительно выразительной и эмоциональной.
В конце 20-х - начале 30-годов грянула Великая депрессия. Так же как и многие другие художники, Сипорин вынужден был обратиться за помощью к WPA (2)
Впоследствии его дочь Рэйчел Сипорин говорила: «Я думаю, что исследования, которые он сделал для рисунков «Бунта на Сенном рынке», хорошо подготовили его к работе в WPA».
По заказу Illinois Art Project - местного филиала WPA, с 1937 по 1942 годы художник создал целый ряд настенных росписей, которые вывели его в число ведущих американских художников-муралистов. Среди работ этого периода можно увидеть настенные росписи в школах Bloom Township School и Lane Tech High School, в почтовых отделениях в Decatur, Illinois и St. Louis, Missouri, выполненные совместно с художниками Эдгаром Бриттоном (Edgar Britton) и Эдвардом Мильманом (Edward Millman) и целый ряд картин и гравюр.
Продолжая работать в малых формах, Сипорин сотрудничал с популярными изданиями. Его небольшая темпера Let America Be America Again была опубликована в 1936 году журналом Esquire, и вызвала большой резонанс в обществе, став своего рода лево-либеральным манифестом. Картина выполнена в теплых земляных тонах и изображает разнообразные слои сельских жителей: белых, черных, американских индейцев, мужчин и женщин, взрослых и детей. Визуальный центр композиции, даже скорее ее политический фокус - коленопреклоненная фигура негра, выполненная в насыщенном бархатистом черном цвете. По замыслу художника, картина должна была призывать бедные слои населения очнуться и подняться с колен для политической борьбы. По сути дела, эта небольшая картина является настенной росписью, переведенной в темперу.
Эта работа привлекла внимание самого известного чернокожего поэта Америки того времени Лангстона Хьюза (Langston Hughes), поэта-лауреата Ренессанса Гарлема (Harlem Renaissance). Хьюз был последовательным сторонником коммунистической партии, защитником Scottsboro boys(3), одним из лидеров организации Коммунистический фронт и Лиги борьбы за права негров (the League of Struggle for Negro Rights). Он побывал в Советском Союзе и был его страстным пропагандистом. Сипорин нашел в лице Хьюза верного друга и соратника. Кроме того их сближала любовь к своей малой родине - среднему западу Америки, а также любимые поэты – Уолт Уитман (4) и Карл Сэндберг (5) (Walt Whitman and Carl Sandburg). Поэт и художник идеально подходили друг другу и по жизни и по политическим взглядам.
Многие работы Сипорина оказывались в центре внимания публики. Особым интересом пользовался портрет лауреата Нобелевской премии мира Джейн Аддамс (6) (Jane Addams), выполненный по заказу WPA. Митчел Сипорин решил увековечить современную героиню в окружении бедных людей, которым она отдала всю страсть свей души. Картина полна символов, отражающих главные моменты жизни Аддамс: поддержка рабочих выражена в рукопожатии рабочего и фермера; согнутый землекоп символизирует тяжесть наемного труда; солдат, ломающий меч подчеркивает лидерство Аддамс, как лидера движения женщин в борьбе за мир.
Неудивительно, что политические взгляды Сипорина привели его в Художественный Союз (Artists Union) и в чикагский клуб имени Джона Рида (John Reed Club) – про-коммунистические организация чикагских художников. Благодаря общению с собратьями, среди которых было немало евреев, он принял в 1937 году участие в проекте «Подарок Биробиджану» (Gift to Biro-Bidjan), ныне подзабытом, но в то время достаточно популярном.
Проект, задуманный годом раньше, имел двоякую цель. Во-первых было решено собрать коллекцию работ американских художников в подарок будущему художественному музею Биробиджана, а во-вторых выпустить большим тиражем портфолио, выручка от продажи которого должна была быть направлена тому же музею.
В работе над коллекцией работало не менее ста художников, написавших более 200 картин. Коллекция была собрана, отправлена в Советский Союз, однако до Биробиджана не дошла, затерявшись где-то во глубине советской бюрократической системы. Стоит также заметить, что к моменту отправки картин, ряд художников, узнав о начале в Союзе кровавого террора, отказались от участия в проекте. Где сейчас находится коллекция до сих пор неизвестно, но еще в 2009 году мне попалась заметка, в которой директор Биробиджанского музея просит власти Петербурга посодействовать в ее нахождении, предполагая, что она затерялась где-то в довоенном Ленинграде.
Вторая часть проекта – портфолио «Подарок Биробиджану» - была чисто чикагской, и руководил ею друг Сипорина Тодрос Геллер. В этой части проекта участвовали 14 известных еврейских художников. Портфолио было выпущено в том же 1937 году и оказалось быстро раскупленным, несмотря на довольно высокую стоимость. На данный момент мне известны 3 чикагских музея, где хранятся его копии.
Сипорин принял активное участие в обоих проектах. В гравюре «Рабочая семья», которую Сипорин подготовил для портфолио, он изображает рабочую семью на фоне заводского ландшафта, подчеркивая контраст между светлыми обликами рабочих и мрачным индустриальным пейзажем. В контексте Биробиджанского проекта, картина «Рабочая семья» олицетворяла социализм, при котором семья является участником строительства нового справедливого общества.
Будучи приверженцем социалистического реализма в искусстве, в своих станковых работах Сипорин нередко модифицировал этот стиль на свой лад, создавая элементы картин более выпуклыми и образными, усиливающими воздействие на зрителя, нежели этого могли достичь советские художники. Картины данного периода выполнены многокрасочными, короткими ударами кисти, и часто изображают беженцев в угрожающием ландшафте. На развитие такого стиля и тематики не в последнюю очередь повлияла обрушившаяся на страну в конце 20-х годов Великая Депрессия.
Для примера можно взять такие работы, как «Беженцы» (The Refugees), 1939 года или «Задние дворы» (Back of the Yards), 1938 года
Великая депрессия ударила в первую очередь по простому народу. Миллионы людей лишились средств к существованию и вынуждены были оставить свои дома в поисках работы. Многие художники откликнулись на трагедию народа, и Сипорин был среди наиболее живо и болезненно отреагировавших. В картинах «Беженцы» и «Задние дворы», дабы подчеркнуть весь трагизм положения, художник умышленно утрирует человеческие формы, состояние природы, запустение жилья, достигая этим глубины трагизма. Чтобы показать как Великая депрессия усугубила жизнь простых людей, именно такая форма наиболее подходила. Причем, что важно отметить, Сипорин поднимает уровень трагедии до библейских высот, как бы проводя параллель между современностью и древней трагедией своего народа, хотя такой взгляд может показаться спорным. Если присмотреться к «Беженцам», то трудно отделаться от впечатления, что в ските сидит Мария с новорожденным Христом, а трое безработных символизируют волхвов. В этом случае, в картине должна бы звучать нота надежды, но мы видим скорее отчаяние. Художник не верит в лучшее будущее своей страны. Несколько позже он даже подтвердил это, сказав в другой ситуации: «Я знал и депрессию и войну, но это была не моя страна, а какая-то другая». И далее: «Я надеялся, что все, мною увиденное и прочувствованное, подтвердит и укрепит мои художественные идеи ... ” (O’Toole, Mitchell Siporin: The Early Years 1930-1950, 1990).
В 1936 году в рамках проекта WPA властями штата Миссури было принято амбиционное решение построить в городе Сент Луис новое гигантское здание центрального почтового отделения на Маркет-стрит. Деньги на это были выделены немалые – 4.5 млн долларов. Начало строительства отмечалось чуть ли не как национальный праздник – в сентябре 1936 года 2700 почтовых служащих прошли парадом по центру города на церемонию укладки закладного камня.
Когда здание в целом было закончено, настал черед его оформления. В 1939 году был объявлен общенациональный конкурс на создание серии фресок.
Конкурс оказался представительным и престижным. В нем приняли участие 215 художников, которым было предложено создать серию небольших эскизных панно из истории Миссури, которые впоследствии могли быть выполнены в полном масштабе и размещены в вестибюле почтового отделения. Выигравший художник получал 29 000 долларов - по тем временам самую крупную выплату за финансируемые из федерального бюджета проекты настенных росписей для почтовых отделений. В сегодняшних расценках это более полумиллиона долларов.
Миллман и Сипорин приняли решение участвовать в конкурсе. Они выполнили 9 предварительных эскизов, размерами 5½ дюймов в высоту и 15 ¼ дюйма в ширину (14 см х 39 см) каждый.
После почти недельного рассмотрения заявок, жюри из четырех человек пришло к выводу, что девять масляных темпер на панели, представленные двумя чикагцами, лучше всего подходят для оформления городской почты.
"Проекты фресок для почтового отделения великолепно сочетаются с архитектурой вестибюля и гармонируют с его цветом”- писал Уолтер Л. Ратманн, архитектор из Сент-Луиса, который проектировал здание и был членом жюри, в статье Post-Dispatch от 16 сентября 1939 года.
Таким образом Сипориным и Миллманом было выполнено 9 фресок размером 9х29 футов каждая (274 см х 884 см), общей площадью 3000 кв футов (279 кв. метров). В конечном варианте, работа была посвящена уже не только истории региона, но и 100-летней истории города Сент Луис в частности. На фресках художники изобразили наиболее яркие личности и события. Здесь можно увидеть первопоселенцев, проявивших смелость и выносливость в борьбе с суровой природой, торговцев пушниной, легендарных личностей, таких как Даниэл Бун (Daniel Boone)(7) и Джон Браун (John Brown)(8).
Однако, Митчел Сипорин и Эдвард Миллман, верные своим политическим взглядам, не смогли пройти мимо социальных конфликтов региона, поэтому на фресках нашлось место индейцам и неграм, работающим в свинцовых рудниках, судебному процессу Дреда Скотта (Dread Scott)(9), борьбе за освобождение негров в годы Гражданской войны.
Дочь Сипорина профессор Рэчел Сипорин комментируя работу писала, что художник, желая показать значение коренных американцев, намеренно изобразил их преувеличенно крупно. Это было политическое послание, в противовес распространенной идее, что европейские первопроходцы были теми людьми, которые наиболее способствовали развитию Соединенных Штатов. Оставим это утверждение на ее совести.
Фрески привлекли внимание журнала "Лайф", который опубликовал репродукции в номере от 12 октября 1942 года.
Газета писала: "Америка знает Миссури по своим мулам, которые являются самыми упрямыми в стране, по гончим собакам, которые, возможно, самые умные в стране, по трубкам из кукурузных початков, которые производятся только здесь, но Америка не знает истории Миссури. Об этом можно узнать, взглянув на фрески в почтовом отделении Сент-Луиса. Пять фресок на южной стороне вестибюля созданы Миллманом, четыре на северной - Сипориным. Они включают французских исследователей, спускающихся по реке Миссисипи в поисках золота и серебра, а вместо этого находящих свинец, добыча которого началась в Сент-Луисе, около 1750 года. Урок истории также посвящен Пьеру Лакледу, основателю Сент-Луиса, и Гражданской войне.»
Как видим, есть разные трактовки прочтения фресок, но споры и комментарии не входят в мои планы.
Среди многих работ, которые WPA заказывала художнику, выделяется 4-панельная фреска «Преподавание искусств» для актового зала Lane Tech College. Размер каждой панели 15’ x 3’6” (457см х 128см). Другое название «Дань уважения искусству» (Homage to the Arts).
Четыре вертикальные панели, установленые в фойе между наружными дверями зала, изображают преподавание гуманитарных наук – драму, искусство, литературу и музыку. Панели были созданы в то время, когда школа была мужской, поэтому все персонажи являются мужчинами. В каждой из панелей Сипорин изображает преподавателя или наставника, стоящего за юным школяром, причем некоторых нетрудно определить, например, Уолта Уитмена. Сипорин охотно подчеркивал влияние великих мексиканцев Хосе Ороско (José Clemente Orozco), Диего Ривера (Diego Rivera) и Давида Сикейрос (David Alfaro Siqueiros) на эту работу. Он говорил: «Благодаря урокам наших мексиканских учителей, мы стали лучше осведомлены о масштабах и полноте души нашего собственного окружения.» И далее: «Применение модернизма к социальному движению является эпохальным для нашего времени и места».
По утверждению искусствоведов, экспрессионистский реализм Сипорина, вдохновленный мексиканскими муралистами 1930-х, поднял формальные эксперименты модернизма до социального значения, часто левацкого содержания.
Работа в рамках государственной программы WPA закончилась только в 1942 году, в связи с призывом Митчела Сипорина в действующую армию.
В 1942-1945 году Митчел Сипорин проходил воинскую службу в Африке и Италии. Однако, в боевых действиях участия не принимал, поскольку командование сочло, что больше пользы он принесет в качестве армейского художника. Этот период дал новый толчек его творчеству, и именно во время службы он создал несколько ярких и запоминающихся трагических полотен на военную тематику и на темы Холокоста.
Находясь в Италии и северной Африке Сипорин создал немало картин с описанием сражений и портретов солдат.
Одна из самых «мирных» картин военного периода - «Праздник в Пантеллерия». Солдаты отдыхают вдали от сражений на военной базе, расположенной на отдаленном острове в Средиземном море. Здесь уж можно расслабиться и дать волю чувствам, но притягивает внимание, что лица многих солдат все еще остаются напряженными. Нелегко приходить в себя после кровопролитных боев. Судя по времени написания и расположению острова, картина скорее всего изображает солдат, участвующих в войне в Африке.
За фронтовые работы Сипорин получил премию Гугенхейма (Guggenheim Fellowship ) в 1945 году.
Война закончилась и Сипорин вернулся в Америку. В ноябре 1945 года он женился на Мириам Тэйн (Miriam Tane). Впрочем, о его семейной жизни сохранилось мало сведений, ибо будучи пламенным коммунистом, он старался не афишировать свою личную жизнь, посвященную «революционной борьбе». Нам также известно, что его дочь Рэчел Сипорин стала искусствоведом, профессором и принимала активное участие в сохранении наследия отца.
Три картины, посвященные войне, но написанные уже в 1946 году по возвращении в Америку, привлекли к себе особое внимание зрителей и критиков: «Бесконечное странствие», «Зимние солдаты» и «Конец эпохи». За эти работы Сипорину была вручена итальянская премия Prix de Rome в 1949 году.
«Бесконечное странствие» - одна из самых трагических работ этого периода. «На картине изображены изможденные евреи в лодке, брошенной в бушующее море. По вытатуированным на руках номерам видно, что это бывшие узники лагерей. В их глазах читаются страх и отчаяние, они не ведают что их ждет, но у них есть надежда, которую символизирует парус с надписью ERETZ ISRAEL (земля Израиля). Вероятно пара, танцующая под парусом, так же символизирует надежду на светлое будущее. Эту картину можно истолковать как бесконечное странствие евреев через все земные невзгоды к своей древней Родине, которая на горизонте пока не видна, ибо в том время, когда картина создавалась, вероятность евреев обрести свою страну была еще весьма призрачна. Таким образом, лодка, изображенная на картине, вряд ли направляется в Палестину, ибо время Израиля еще не пришло. Скорее это символическое изображение евреев, как вечных странников.
Однако, именно с этой картины становится заметным интерес Митчела Сипорина к Израилю, который хоть и не был ярко выражен в последующих работах, однако оставался неизменным на протяжении жизни.
Другая картина этого периода «Зимние солдаты» имеет несколько вариантов. Отношение художника к немецким солдатам от картины к картине становится все более безжалостным. Сипорин их изображает в один из самых жестоких для Германии периодов конца войны. Через Альпы отступает уже не армия, а ползут отдельные жалкие люди в лохмотьях, едва похожих на воинскую форму. Пред ними вздымаются непроходимые горы, пути к отступлению отрезаны. Однако менее всего художник сочувствует немцам. Справедливая расплата постигла врага, который не жалел никого. Кто же его станет жалеть?
Третья работа «Конец эры» посвящена казни Муссолини. Сипорину случилось стать свидетелем этого события. Диктатор получил то, что заслужил. Однако, на картине не изображена сама казнь, скорее это восприятие его казни глазами соотечественников. Нет сочувствия в их серых, изможденных войной, лицах. Суровые взгляды, в которых читается усталость и отчаяние – все кончено...
В начале 50-х годов начинается новый этап в творчестве Сипорина.
В 1951 году университет Брэндайс (Brandeis University) приглашает художника на специально для него создаваемую кафедру искусства. Сипорин был единственным профессором и преподавал здесь почти до самой смерти. Он читал студентам историю искусства, основы графики и живописи. Материалы для преподавания ему присылали из Бостонского Музея искусств.
Сипорин был главным консультантом университетской программы Saltzman Visiting Artist Program, по которой в Брэндайс приглашали таких известных художников, как, Теодор Стамос (Theodoros Stamos), Филип Гастон (Philip Guston), Леон Полк Смит (Leon Polk Smith), Энтони Тони (Anthony Tony), Фрэнк Стелла (Frank Stella), Элейн де Кунинг (Elaine Marie de Kooning), Джейкоб Лоуренс (Jacob Lawrence) и Карл Холти (Carl Holty). Усилия Сипорина сыграли огромную роль в формировании культурной и образовательной жизни университета.
Он также привозил в кампус выставки современного искусства и организовал постоянную коллекцию. Его роль была неоценима в организации художественной комиссии Brandeis Creative Arts Awards Commission (10), жюри которой он возглавлял в течение более десяти лет.
Если же говорить о творческих проектах художника, то от чисто социальных тем, от борьбы рабочего класса за освобождение, он переходит к философским и социально-философским темам, зачастуя изображая своих героев гротескно. Он пишет серию картин, в которых пытается переосмыслить творчество знаменитых в прошлом мастеров, таких как Моне, Писарро или Рембрандт, создает сатирические серии «Хасид, моющий ноги в Римском фонтане», «Панорама» и другие.
Одна из наиболее интересных серий, написанная с тонким остроумием и деликатной сатирой, «Воображаемые интервью» (Imaginary Interviews) (1956-58), в которой Сипорин пытается сопоставить, а порой и противопоставить выдающихся деятелей культуры.
Главная мысль серии заключается в том, что ни одно произведение никогда не создается в вакууме и не может быть полностью понято в отрыве от его культурного контекста. Эту мысль художник стремился донести до студентов в период преподавания в университете в течение четверти века. Однако есть еще одна важная сторона этой серии – Сипорин пытается осмыслить свое собственное место в современной культуре.
«Интервью» сталкивает совершенно разные, трудносопоставимые личности: Уильям Блейк (11) и Тулуз-Лотрек (12) спорят о грехе в поэме Блейка «Песни невинности и опыта»; известный художник-карикатурист Джек Левайн (13) и Эл Капоне (14) беседуют на похоронах гангстера; Макс Вебер (15) размышляет с Жан-Жаком Руссо (16) о демократии; Лоренцо да Понте (17) и Моцарт исполняют дуэт в серенаде Дона Джованни; Франц Кафка и его невеста Дора Диамант спорят с раввином, запретившим их женитьбу; Амбруаз Воллар (18) и Эдит Халперт (19) обмениваются мнением об эстетике и искусстве.
Жажда жизни и новых ощущений, необходимых художнику, заставляли Сипорина отправляться в многочисленные поездки по миру. Он подолгу жил в Мексике, в Американской Академии в Риме, путешествовал по Южной Америке, Африке, Англии, Франции, Испании и, конечно, много писал. Менялись не только его темы, но и техника, поэтому поздний период его творчества искусствоведы уже не относят к соцреализму, как это было в 30 и 40-е годы. Скорее в его работах прослеживается влияние экспрессионизма - фигуры искажены, их головы и конечности имеют карикатурно преувеличенные пропорции, а пространство, которое они занимают, искривлено в кошмарных конфигурациях. Изображаемый предмет, вероятно, еще можно назвать социально-ориентированным, но исполнение уже таковым не является.
Однако художник продолжает экпериментировать с техникой и стилями, и появляется почти полностью абстрактная картина «Город в гавани» (Harbour City), кубистическая «Встреча» (Rendezvous), абстрактно-экспрессионисткая «Дева и смерть» (Death and the Maiden)
Последний стиль является наиболее популярным в творчестве художника на протяжении последнего десятилетия, особенно это относится к 1970-м годам, когда появились самые богатые и красочные экспрессии. Среди них особого внимания заслуживают «Мальчик в саду» (Boy in Garden) и «Время закрытия в Прадо» (Closing Time at the Prado), а также серия вариаций на пейзажные темы, некоторые из которых были завершены только в последние полгода жизни. Это не обычные пейзажи, а абстрактные композиции. Они отталкиваются не от природы, но от искусства, как такового. Иначе говоря это искусство ради искусства.
На этом я заканчиваю рассказ о жизни художника Митчела Сипорина. Он умер 1 января 1976 года в своем любимом городе Ньютон, штат Массачусетс, где четверть века преподавал в университете. Не побоюсь сказать, что это был художник уровня Гойи, но, увы, он все еще недостаточно оценен критиками и любителями искусства. Митчел Сипорин был человеком, который прожил свою жизнь, занимаясь тем, что любил, и хочется верить, что о нем будут помнить как о большом мастере, невзирая на радикальные политические взгляды.
Использованные материалы:
1.Judith H. O'Toole. Mitchell Siporin: The Early Years 1930-1950 https://archive.org/stream/mitchellsiporinr00sipo/mitchellsiporinr00sipo...
3. Modernism in the City http://www.chicagomodern.org/artists/mitchell_siporin/
4. Bram Dijkstra. American Expressionism. Art and Social Change 1920-1950. Harry N. Abrams, Inc., Publishers, 2003
5. Mary Lackritz Gray. A Guide to Chicago’s Murals. University of Chicago, 2001
6. Life magazine, October 12, 1942
7. Hughes, Langston. "Let America Be America Again." Academy of American Poets, www.poets.org/viewmedia.php/prmMID/15609
Комментарии:
1. Утверждению дочки противоречит статья из Википедии, которая отмечает, что в Чикаго Сипорн сначала закончил колледж, а затем Art Institute of Chicago, при этом параллельно занимаясь у известного художника Тодроса Геллера.
2. WPA - Works Progress Administration (Администрация Прогресса Работ), одна из программ нового курса президента Франклина Д. Рузвельта, функционировавшая как программа помощи трудящимся, в которой было задействовано более 8,5 миллионов человек. Работникам платили за строительство мостов, дорог, общественных зданий, парков и аэропортов. По этой программе было трудоустроено немало художников, которые получали заказы по оформлению государственных учреждений – почтовых отделений, школ, городских мэрий и так далее.
3. Scottsboro boys – суд на девятью афроамериканскими подростками в 1931 году по сфабрикованному обвинению в изнасиловании белой женщины. Несмотря на недостаток доказательств все были осуждены.
4. Уолт Уитмен (Walt Whitman) (1819 – 1892). Знаменитый американский поэт и публицист. Новатор свободного стиха. К концу жизни обрёл славу первого общенационального поэта США. Занимал ряд должностей на государственной службе, в том числе в департаменте генерального прокурора. Важное место в поэзии Уитмена занимает индустриальная тема: оды фабричным трубам, домнам, станкам, паровозам делают его предтечей так называемой урбанистической поэзии.
5. Карл Сэндберг (Carl Sandburg) (1878 – 1967). Американский поэт, историк, романист и фольклорист, трижды лауреат Пулитцеровской премии.
6. Джейн Аддамс (Jane Addams) (1860 – 1935). Американский социолог и философ, лауреат Нобелевской премии мира 1931 года. Президент Международной женской лиги за мир и свободу (1919—1929)
7. Даниэл Бун (Daniel Boone) (1734 – 1820). Американский первопоселенец и охотник, чьи приключения сделали его одним из первых народных героев Соединённых Штатов Америки
8. Джон Браун (John Brown) (1800 – 1859). Один из первых белых аболиционистов, отстаивавших и практиковавших вооружённую борьбу как единственное средство отмены рабства в США
9. Дред Скотт (Dread Scott) (1799-1857). Порабощенный негр, который вместе со своей женой Харриет безуспешно добивался свободы для себя и двух своих дочерей в деле Дред Скотт против Сэндфорда 1857 года, известном как "решение Дреда Скотта".
10. Brandeis Creative Arts Awards Commission. Комиссия, созданная для поощрения наиболее выдающиеся действующих американских деятелей культуры - художников, поэтов, театральных деятелей и так далее.
11. Уильям Блейк (William Blake) (1757 – 1827). Английский поэт и художник
12. Анри Тулуз-Лотрек (Henri Toulouse-Lautrec) (1864 – 1901). Французский художник.
13. Джек Левайн (Jack Levine) (1915 – 2010). Американский художник.
14. Эл Капоне (Al Capone) (1899 – 1947). Американский гангстер.
15. Максимилиан Вебер (Maximilian Weber) (1864-1920). Немецкий историк, социолог, юрист, политический экономист, один из один самых значимых теоретиков развития современного западного общества.
16. Жан-Жак Руссо (Jean-Jacques Rousseau) (1712 – 1778). Французский философ и писатель.
17. Лоренцо да Понте (Lorenzo da Ponte) (1749 – 1838). Итальянский, позднее – американский писатель, поэт и священник.
18. Ambroise Vollard (Амбруаз Воллар) (1866 – 1939). Один из самых значительных французских торговцев произведениями искусства.
19. Edith Halpert (Эдит Халперт) (1900 – 1970). Американский продавец произведений современного искусства, владелица галереи.
Еще некоторые работы Митчела Сипорна
(Venus and Mars from Rembrandt and his Models), 1961-62
