Витражи синагоги Шолом, Чикаго

Игорь Волошин

Еврейская реформистская конгрегация Чикаго была основана в далеком уже 1867 году, однако долгое время не могла найти себе постоянного места. Первое здание синагоги сгорело во время великого чикагского пожара в 1871 году. После этого конгрегация сменила еще 3 помещения. Так продолжалось до тех пор пока в 1928 году два студента School of Architecture at Armour Institute (ныне - Illinois Institute of Technology) Джералд Лёбл (Jerrold Loebl) и Норман Шлоссман (Norman Schlossman) выполнили студенческий проект нового здания синагоги. Под впечатлением от новаторской работы студентов, к проекту подключились известные архитекторы Чарлз Кулидж (Charles A. Coolidge) из Бостона и Чарлз Ходгдон (Charles Hodgdon) из Чикаго. Новое здание синагоги было спроектировано в комбинированном стиле византийского возрождения и мавританского возрождения, что отчасти придает ей сходство с синагогой KAM Isaiah Israel, расположенной в южной части города.

Синагога Шолом (Temple Sholom, 3480 N. Lake Shore Dr. Chicago, IL), 1930 - одна из самых красивых в городе. Большой восьмигранный купол, арки над окнами, облицовка экстерьера известняком из Индианы и грубыми камнями  Lannon резко выделяют ее на фоне чикагской береговой линии среди соседних зданий. Архитекторы украсили наружные стены синагоги фрагментами Торы, выполненными в резьбе по камню.

Пожалуй главное отличие синагоги Шолом от любой другой синагоги не только в Чикаго, но вероятно и во всей стране в том, что на протяжении многих лет руководство общины украшало интерьеры витражами, выполнеными известными американскими художниками. Витражи расположены в залах, в коридорах и даже в служебных помещениях, придавая всему зданию необыкновенную нарядную торжественность. Среди мастеров, приглашенных для этой работы были Леон Голуб (Leon Golub), Давид Беккер (David Bekker), Мириам Шапиро (Miriam Schapiro), Карел Аппел (Karel Appel), Джек Голдстейн (Jack Goldstein), Нехемия (Генри) Азаз (Nehemia (Henry) Azaz), Арчи Рэнд (Archie Rand) и другие. Каждая группа витражей посвящена соответствующему разделу Торы, Пророков или Писаний (Torah, Prophets, Writings). Многие витражи выполнены в современном стиле, что несколько неожиданно, но безусловно очень талантливо и оригинально. При этом не будем забывать, что синагога Шолом является реформистский и изображения людей в ней считаются допустимыми.
К сожалению в данном очерке нет возможности показать все витражи, украшающие синагогу, ибо их в общей сложности 55, поэтому не пытаясь охватить невозможное, мне бы хотелось не столько продемонстрировать работы художников, сколько вкратце рассказать о наиболее интересных из них, ибо большинство авторов незаслуженно малоизвестны любителям искусства.

Давид Беккер (David  Bekker) (1897-1956)

Давид Йона Беккер родился в Вильно, Литва, в 1897 году. Он изучал живопись в художественной школе родного города. В то время это была очень известная школа, в которой учились такие будущие знаменитые художники «парижской школы» как Пинхус Кремень, Хаим Сутин, Мишель Кикоин. Отец Давида - Авраам Менахем Мендель Беккер - был художником и мастером настенной росписи. Обратив внимание на способности сына, он всячески поощрял их и развивал.
В 1910 году мать Давида Райзе (урожденная Мелец) и ее дочь Ривка отправились в Палестину, присоединившись к своему старшему сыну и двум дочерям. Давид прибыл в Палестину в 1911 году вместе с отцом и сестрой Эстер. Вся семья поселилась в Иерусалиме. Под впечатлением от красоты Святой Земли, Давид вскоре взялся за перо и бумагу. Он продолжил свое образование в Академии художеств Бецалель под руководством профессора Бориса Шаца и художника Абеля Панна. Во время Первой мировой войны Беккер вынужденно задержался в Болгарии, где ему поручили заниматься резьбой по дереву и металлу. Впоследствии он отправился в Румынию, где разрабатывал дизайны монет и медалей, а также занимался резьбой по слоновой кости для короля Кароля I. Он продолжил обучение в Англии, Франции и Соединенных Штатах, где поначалу обучался в Академии изящных искусств в Денвере, но в итоге переехал в Чикаго. Одна из значительных работ Беккера в США — резьба по слоновой кости, которую он сделал для президента Уоррена Г. Хардинга.
В Соединенных Штатах Беккер женился на Эстер Кимче-Коэн. У них родились двое детей: Алан (Авраам) и Фредерика (Шошана), которые умерли в детстве. Брак закончился разводом. В Чикаго Беккер женился на Софи Блевицки, дочери Баруха и Доры Файн. Софи оказалась вдохновительницей и помощницей художника, осознавшей силу таланта Беккера. У них было трое детей: Менахем, Двора (Авиезер) и Александр (Алекс). Давид Беккер умер в Чикаго в 1956 году и похоронен рядом со своей женой Софи в Петах-Тикве, Израиль. Его дети в 50-е годы переехали в Израиль.
Главное влияние на творчество Беккера оказали еврейские темы, традиции и история своего народа, хотя в его работах нередко встречаются русские и американские мотивы. Беккер был плодовитым художником, создававшим картины, гравюры на дереве, офорты и витражи. Его стиль был композиционно богатым и разнообразным, работы полны сильными, порою грубоватыми эмоциями, в которых есть место и поэзии и мистицизму.
В 50-х годах синагога Шолом заказала Беккеру 12 витражей. К сожалению неизвестно точное количество выполненных работ, поскольку скончался художник в 1956 году. Однако существует его переписка с раввином синагоги, в которой последний благодарит Беккера за два витража и выражает надежду на скорое получение всего заказа. Однако, судя по стилю некоторых витражей, можно предположить, что еще некоторое количество витражей им было выполнено, но синагога не располагает соответствующими документами, что не удивительно, ибо даже о двух известных работах администрация узнала от автора данного очерка.

Нехемия Азаз (Nehemia Azaz) (1923 – 2008)

Азаз родился в 1923 году в Берлине, но в трехлетнем возрасте переехал с родителями в Палестину. Молодость Азаза совпала с образованием Израиля. Он приложил немало усилий к становлению художественной жизни в стране, был основателем и первым директором отдела художественной керамики на фабрике Харса (Harsa) в Беэр-Шеве в 1955 году, где разработал первое поколение местной керамики. Его работы были представлены в том же году на выставке в галерее Уэйкфилд (Wakefield Gallery, England), а впоследствии его керамика была приобретена лондонским музеем Виктории и Альберта (Victoria and Albert museum). Он также был дизайнером украшений для коллекций, экспортируемых по инициативе Рут Даян (Ruth Dayan). В 1960 году он покинул Харсу, чтобы сосредоточиться на крупномасштабной архитектурной скульптуре и витражах. Находясь под влиянием искусства 50-х/60-х годов, был также вдохновлен природными формами пустыни и мифологией.
После блестящего выполнения архитектурно-художественного заказа для отеля Sheraton в Тель-Авиве в 1965 году он стал одним из первых израильских скульпторов своего поколения, получивших международный заказ. Позже, по приглашению посла Израиля в Вашингтоне Ицхака Рабина, Азаз, в то время работавший в колледже Кармель, Великобритания, вырезал панно из орехового дерева площадью 30 квадратных метров для Израильской гостиной в Центре исполнительских искусств Джона Ф. Кеннеди, наряду с росписью потолка, выполненной Шрайгой Вейлом (Shraga Weil) и гобеленом Иезекииля Кимхе (Ezekiel Kimche).
В конце 60-х Азаз открыл свою студию в Оксфордшире, Англия, где прожил половину жизни, работая с витражами, деревом, бетоном, бронзой, латунью, медью и алюминием.
Несколько значительных заказов художник получил из Соединенных Штатов, и, помимо Израильской гостинной в Вашинтоне, выполнил проекты для университета Пэйс (Pace University) в Нью Йорке, для чикагского музея Иудаизма (Spertus Museum of Judaica), чикагских синагог Loop и Шолом (Sholom). (Для синагоги Loop он создал уникальное панно «Благословение коэнов).
Для синагоги Шолом Азаз Нехамия создал 5 витражей в многослойной технике, благодаря которой создается глубинный трехмерный эффект. Витражи расположены в северном коридоре (Cornelia side) за южной стеной капеллы.

Витражи, выполненные Азазом Нехамией для синагоги Шолом в 1955 году:

1. Иов (Job)
2. Книга Притчей> (Book of Proverbs)
3. Книга Псалмов> (Book of Psalms)
4. Эзра (Ezra)
5. Нехемия (Nehemiah)

Леон Голуб (Leon Golub) (1922-2004)

Леон Голуб родился в Чикаго. В 1942 году он закончил Чикагский университет (University of Chicago) по специальности история искусств, но степени бакалавра и магистра искусств получил уже в Чикагском институте искусств (Art Institute of Chicago) в 1949 и 1950 годах. Именно здесь он встретил свою жену художницу Нэнси Сперо, с которой прожил вместе 50 счастливых лет.
Чтобы обращаться к актуальным современным политическим и социальным темам, включая полицейское насилие и войну, Голуб разработал стиль выразительной фигурации (expressive figuration). С 1959 по 1964 год Голуб и Сперо жили в Европе, что отчасти было вызвано верой в то, что Европа будет более восприимчива к их работе, открыто касающейся вопросов власти, секса и политики. В этот период его работы увеличились в размерах из-за бо’льшего пространства студии и под влиянием французской традиции крупномасштабной исторической живописи.
Когда Голуб в 1964 году вернулся из Парижа в Нью-Йорк, война во Вьетнаме обострилась, и он ответил двумя сериями работ: «Напалм» и «Вьетнам» (Napalm and Vietnam), которые с одной стороны показывают уязвимость человека, но с другой демонстрируют мощь современного оружия. Серия этих работ о Вьетнаме поначалу имела общее название «Убийцы» (Assassins), но в конечном варианте название было изменено, чтобы не приписывать преступные намерения рядовым солдатам. Одна из его самых крупных работ также посвящена Вьетнаму. Протяженность полотна более двенадцати метров. Голуб и Сперо были активными участниками протеста художников и писателей. В 1967 году, в рамках Недели гневного искусства (Angry Arts Week), Голуб организовал «Коллаж возмущения» (The Collage of Indignation) - совместную работу более 150 художников, которую он назвал «не политическим искусством, а скорее выражением народного отвращения».
С этого года известность Голуба начала расти, о чем свидетельствует тот факт, что он был отобран для выставки «Новые образы человека» в Музее современного искусства в Нью-Йорке (MOMA). Его картина была включена в экспозицию наряду с работами таких признанных художников как Виллем де Кунинг, Фрэнсис Бэкон и Джексон Поллок.
Позже, в 1970-х годах, работы Голуба стали более мягкими и политически умеренными. Он написал множество портретов общественных деятелей, многие из которых были включены в посмертную выставку «Леон Голуб: политические портреты» (2016) в Национальной портретной галерее Лондона (Portrait Gallery, London). В годы правления Рейгана он обратился к более откровенной политической работе - темам насилия, угнетения и изоляции. В более поздние годы темы его работ снова изменились, в них стало уделяться больше внимания личными темам потерь и смерти.
Иудаизм Голуба выразился в его общественной деятельности, а также в создании ярких произведений на еврейскую или библейскую темы.
В 1996 чикагская синагога Шолом в Чикаго заказала Леону Голубу четыре витража, изображающих жизнь Иосифа в период египетского рабства евреев. Эти витражи были изготовлены в Нью-Йорке компанией Victor Rothman Stained Glass, а травление кислотой выполнено Джином Маллардом. Установлены витражи были в 1998 году в помещении, которое раньше использовалось как кабинет старшего раввина. Находится они в южной части здания ближе к Stratford Place.

Витражи Леона Голуба в синагоге Шолом:

• Ссора Иосифа с братьми (The Rupture Between Joseph and his Brothers)
• Иосиф и жена Потифара (Joseph and Potiphar’s wife)
• Иосиф в Египте с фараоном (Joseph in Egypt with Pharaoh)
• Иосиф встречается с семьей (Joseph Reunited with His Family)

Леон Голуб был, пожалуй, одним из самых известных художников, создавших витражи для синагоги Шолом.

Карел Аппел (Karel  Appel) (1921-2006)

Голландский художник, скульптор и поэт Карел Аппел родился в Амстердаме. Его отец Ян Аппел был парикмахером, мать же - Джоанна Шевалье - потомком французских гугенотов.
Богатый дядя - художник-любитель Карел Шевалье – подарил своему племяннику на день рождение мольберт и краски и дал несколько уроков живописи.
С 1940 по 1943 год, во время немецкой оккупации, Аппел учился в Rijksakademie van Beeldende Kunsten в Амстердаме, но вынужден был бежать, чтобы скрыться от немецкой полиции, отправлявшей молодежь в Германию на принудительные работы.
Вскоре после войны Аппель провел свою первую выставку в Гронингене в 1946 году, а в 1948 году стал одним из основателей авангардного движения CoBrA. С 1947 года он начал создавать композиции из всевозможных материалов (в технике ассамбляж) и раскрашивал их яркими красками: белой, красной, желтой, синей, черной. Он присоединился к Experimentele Groep в Голландии вместе с некоторыми другими голландскими художниками. В 1949 году вместе с художниками CoBrA участвовал в выставке в Stedelijk Museum Amsterdam, что вызвало огромный общественный резонанс и множество критических отзывов в прессе. Проблема состояла в том, что молодые художники создавали свои работы под влиянием Пабло Пикассо, Анри Матисс и Жана Дюбюффе, все еще не вполне признанных в ряде европейских стран.
Фреска Аппеля «Опрос детей» (Questioning Children, написанная в 1949 году упрощенным «детским» языком для мэрии Амстердама, вызвала споры и была скрыта в течение десяти лет.
Непризнание художника на родине вынудило его в 1950 году переехать в Париж, где он в итоге и получил международное признание, которое отныне только укреплялось во время последующих поездок в Мексику, США, Югославию и Бразилию. Особенно художник любил жить и работать в Нью Йорке и Флоренции, что не удивительно.
Его первая выставка в Америке состоялась в 1954 году в галерее Марты Джексон (Martha Jackson Gallery). С удовольствием окунувшись в американскую жизнь, он писал портреты известных личностей, в том числе таких как джазовые музыканты Майлз Дэвис (Miles Davis) и Диззи Гиллеспи (Dizzy Gillespie).
Однако еще в 1951 году его картина «Дитя и чудовище 2» (Child and Beast II была включена во влиятельную выставку «Новое десятилетие» в Музее современного искусства (MOMA), на которой были представлены работы двадцати двух европейских художников и скульпторов, включая таких как Фрэнсис Бэкон, Жан Дюбюффе и Пьер Сулаж.
После 1990 года Карел стал намного популярнее в Нидерландах; у него было несколько больших шоу в Амстердаме и Брюсселе, организованных режиссером Руди Фуксом. К этому времени Аппел стал самым известным голландским художником. Его работы представлены в MOMA и в целом ряде престижных галерей.
Витражи Карела Аппеля, выполненные в 1982 году для синагоги Шолом, расположены справа и слева от центрального входа в здание.

Мириам Шапиро (Miriam Schapiro) (1923 – 2015)

Мириам Шапиро родилась в Торонто, Канада в семье еврейских эмигрантов, бежавших от погромов из России. Ее дедушка, довольно известный производитель кукол, изобрел первый в Соединенных Штатах подвижный кукольный глаз, и, что не менее важно, его компания выпускала популярных «мишек Тедди». Детские впечатления были столь велики, что впоследствии Мириам включала фотографии кукол и бумажные коллажи в свои работы. Ее отец - Теодор Шапиро - был художником и интеллектуалом, обучавшимся в Институте изящных искусств в Нью-Йорке (Beaux-Arts Institute of Design, in New York). Он занимался промышленным дизайном и был для дочки наставником и образцом для подражания, чем значительно укрепил ее желание стать художником. В не меньшей степени на желание Мириам стать художницей повлила ее мать Фанни Коэн, домохозяйка и сионистка. В шесть лет Мириам Шапиро начала рисовать.
В подростковом возрасте Шапиро обучалась у Виктора д'Амико (Victor d’Amico), ее первого учителя-модерниста. По вечерам она посещала занятия WPA для взрослых, чтобы изучать рисунок обнаженной модели. В 1943 году Шапиро поступила в Хантер-колледж (Hunter College) в Нью-Йорке, но затем перевелась в университет Айовы (University of Iowa), где изучала технику гравюры.
В университете Айовы Мириам познакомилась с художником Полом Брачем, за которого вышла замуж в 1946 году. После окончания университета в 1949, Брач нашел работу в университете Миссури в качестве преподавателя по рисованию. Шапиро же работу так и не нашла, поэтому в 1951 году они переехали в Нью-Йорк, где познакомились и подружились с целым рядом молодых талантливых художников, поклонников абстрактного экспрессионизма, в числе которых были ныне весьма известные Джоан Митчелл, Ларри Риверс, Нокса Мартин и Майкл Голдберг (, Larry Rivers, Knox Martin and Michael Goldberg). Шапиро и Брач осели в Нью-Йорке на все 1950-е и 60-е годы. Это были весьма успешные годы становления Мириам как художницы, а также для формирования ее мировоззрения. В 1955 году у Мириам и Пола родился сын Питер.
Профессиональная деятельность Мириам Шапиро продолжалась более четырех десятилетий. Она занималась абстрактным экспрессионизмом, минимализмом, компьютерной графикой и феминистским искусством, используя все разнообразие художественных техник, таких как коллаж, гравюра, живопись. При этом одной из доминирующих тем Мириам была «женщина в искусстве», с использованием в своих работах работ других художниц. Шапиро также воздает должное художницам недавнего прошлого, таким как Мэри Кассат (Mary Cassatt) и Фрида Калло (Frida Kahlo). В 1990-е годы Шапиро начала включать в свои картины работы женщин русского авангарда. По мысли Шапиро, русский авангард был важным моментом в истории современного искусства, ибо именно русские художницы достигли равенства с мужчинами.
Начиная с 1960 года Шапиро начала исключать из своих картин абстрактный экспрессионизм и вводить различные геометрические формы. Она начала искать материнские символы, дабы выразить собственные взгляды на роль женщины. С учетом этого была создана в 1961-63 годах серия «Святыни» (Shrines). Игра между иллюзией глубины и плоскостью стала в работах Мириам стратегией до конца десятилетия.
Впоследствии она вместе с Джуди Чикаго (Judy Chicago) основала Программу феминистского искусства (Art Program) в Калифорнийском институте искусств () в Валенсии. Программа была направлена на решение проблем в искусстве с институциональной точки зрения и была сосредоточена на расширении женской среды в центре Лос-Анджелеса. Художницы хотели, чтобы произведения искусства было не столько частным явлением, сколько общественным процессом повышения сознания и технического обучения женщин.
В 1990-х годах наступил новый важный этап в творчестве Мириам Шапиро, в своих картинах она начала исследовать свою еврейскую идентичность. В картине «Моя история» (My History) (1997) она создала своего рода «комнаты» разных воспоминаний, отражающих ее еврейское наследие. Вероятно эта работа стоит отдельного изучения, однако в данный момент она не имеет отношения к рассматриваемой мною темы.
Самым значительным произведением на еврейскую тематику была группа витражей «Четыре матриарха» (Four Matriarchs) для чикагской синагоги Шолом, созданные в 1983 году. По замыслу художницы это произведение сочетает символику идентичности и старое «одомашненное» искусство, что создает истинное видение того, что высокое искусство значит для публики. Возможно эта формулировка усложнена и спорна для рядового зрителя, однако не будет спорить с художником.
Яркими эмоциональными символами Мириам изобразила 4 героических библейских матерей рода иудейского: Сара, Ревекка, Рахиль и Лия (Sarah, Rebecca, Rachel, and Leah), которые почитаются как матери и жены, как женщины, исполнявшие волю Божью. Расположены персонажи справа налево и находятся в Stratford corridor.

Джек Голдстейн (Jack  Goldstein) (1945-2003)

Джек Голдстейн родился в еврейской семье в Монреале, Квебек, и мальчиком переехал в Лос-Анджелес, где учился в средней школе, одновременно изучая искусство. Он получил образование в Художественном институте Шуинара (), а также закончил Калифорнийский институт искусств (CalArts), где получил степень магистра искусств в 1972 году.
Художник-перформанс с корнями в минималистской скульптуре, художник-концептуалист, снимавший экспериментальные фильмы и их звуковые эквиваленты на виниловых пластинках, Голдстейн в 70-е годы делил свое время между Лос-Анджелесом и Нью-Йорком. Еще будучи студентом CalArts в 1972 году, он похоронил себя заживо со стетоскопом, прикрепленным к груди. Он дышал воздухом через пластиковые трубки, и красный свет вспыхивал в такт его бьющемуся сердцу.
В начале 1970-х годов, когда аудио- и видеозаписи стали доступны широкой публике, Голдстейн воспользовался возможностью и начал выпускать свои собственные записи, хотя и не обычные. Среди его записей были «Плыть против течения», «Бег быстрее» (запись давки), «Торнадо», «Две борющиеся кошки» и «Шесть минут утопления» (A Swim Against the Tide, A Faster Run(a recording of a stampede), The Tornado, Two Wrestling Cats and The Six Minute Drown. В частности, набрала популярность «Шестиминутное утопление» (The Six Minute Drown), в котором тоскливые, мучительные звуки утопающего раздаются в течение шести минут в полной изоляции.
В конце концов Голдстейн стал одним из стержней Pictures Group, которая получила свое первое признание в Artist's Space в Нью-Йорке осенью 1977 года.
Художники Pictures, такие как Голдстейн, Роберт Лонго (Robert Longo) и Трой Браунтух (Troy Brauntuch), оказались в авангарде художественного бума 1980-х годов и процветали в той или иной степени в течение десятилетия. В это время Голдстейн начал серьезно заниматься живописью. Его картины были основаны на фотографических изображениях природных явлений, науки и техники с целью запечатлеть «захватывающий момент», как ранее это фиксировала фотография. На многих из картин изображены проносящиеся истребители, грозы, взрывающиеся туманности и городские горизонты, освещенные фейерверками или бомбардировками. Используя копии фотографий, Голдстейн увеличивал детали почти до абстракции, а затем нанимал художников, которые наносили живопись на холсты, натянутые на коробчатые подрамники, выступающие более чем на шесть дюймов над стеной. Он был одним из первых современных художников, нанявших подмастерьев для создания своих работ.
К середине 70-х Голдстейн перестал появляться в своих фильмах и спектаклях и вместо этого нанимал актеров, каскадеров и специалистов по свету и звуку из киноиндустрии. Его видео включают широко известную заставку «Метро-Голдвин Майер» (Metro-Goldwyn Mayer)(1975) с рычащим талисманом киностудии на кроваво-красном поле и клип «Шейн» (Shane) (1975), названный в честь дрессированной немецкой овчарки, которая лает в ответ на чьи-то неслышные команды за камерой.
К концу 1980-х спрос на «салонную живопись» сошел на нет, и работы Голдстейна стали продаваться хуже. Не желая заниматься преподаванием вместо ежедневной работы на картинами, Голдстейн в начале 90-х покинул Нью-Йорк и вернулся в Калифорнию, где прожил десятилетие в относительной изоляции.
Интерес к его ранним работам ненадолго возник на рубеже веков, и он снова стал популярен, однако 14 марта 2003 года неожиданно свел счеты с жизнью в Сан-Бернардино, Калифорния, немного не дожив до биеннале Уитни 2004 года, на котором был отмечен его вклад в искусство.
Для синагоги Шолом Джек Голдстейн создал 4 витража. Несмотря на то, что это едва ли не самые малоизвестные его произведения, что не удивительно, ибо художник никогда не акцентировал свое еврейское происхождение, можно без сомнения назвать их выдающимися творениями. Впрочем, витражи были замечены специалистами и отмечены в 1989 году первым призом Института Религии, Искусства и Архитектуры (Institute of Religion, Art and Architecture).
Эти витражи выполнены не в реалистичной манере, а очень яркими, выразительными символами. Они кажутся иной раз настолько усложненными, что, как мне представляется, требуют объяснений, ибо символические изображенния не всегда можно однозначно истолковать.
Все четыре витража посвящены наиболее важным эпизодам жизни Моисея и расположены в коридоре святилища на стороне улицы Cornelia Av.
Эту работу было бы невозможна выполнить без участия мастеров из Greenland Glass Studio, которые использовали новую технологию, заключающуюся в комбинировании многих слоев богато окращенного стекла, глубоко протравленого кислотой для достижения эфирного и трансцендентного качества.

Арчи Рэнд(Archie Rand) (род. 1949)

Родившийся в Бруклине Рэнд получил степень бакалавра изящных искусств в области кинематографии в Институте Пратта (Pratt Institute), предварительно закончив Лигу студентов-художников Нью-Йорка (The Art Students League. Его первая выставка состоялась в 1966 году в галерее Тибора де Надь (Tibor de Nagy Gallery) в Нью-Йорке, и с тех пор прошло более 100 персональных выставок, не говоря уж о более чем 200 групповых.
В настоящее время он является профессором искусств в Бруклинском колледже (Brooklyn College). До прихода в колледж Рэнд был заведующим кафедрой визуальных искусств Колумбийского университета (Department of Visual Arts at Columbia University), а также преподавал еще в целом ряде колледжей и университетов. В 1995 году Итальянская академия перспективных исследований в Америке при Колумбийском университете вручила ему Сиенскую премию. В 1999 году он получил стипендию Фонда Гуггенхайма и стал лауреатом Национального фонда еврейской культуры, затем в 2002 году был удостоин Президентской премией за выдающиеся достижения в области преподавания в Колумбийском университете. В 2002 году он стал художественным консультантом кинорежиссера Энга Ли (Ang Lee) в его постановке «Халка» (Hulk), и Milestone Films попросила его предоставить комментарий для выпуска DVD классического фильма Анри-Жоржа Клузо «Тайна Пикассо», 1955 год.
Самыми ранними крупными работами Арчи Рэнда являются «Картины с буквами» (или «Джазовые картины») (The Letter paintings or The Jazz paintings) (1968–71) - радикально позиционированная серия технически изобретательных полотен размером с фреску. Картины с буквами, включающие имена в основном афроамериканских музыкантов, подорвали преобладающие эстетические категории, объединив многие современные движения, включая концептуальное и декоративное искусство, дневниковые записи и социальные комментарии.
Долгое время «Картины с буквами» демонстрировались по отдельности, и впервые они были показаны как единое целое на выставке в Художественном музее Карнеги (Carnegie Museum of Art) в 1983 году. Впоследствие они многократно экспонировались в выставочных залах США и Европы. The New York Times назвала первую персональную выставку абстрактных коллажных полотен Рэнда «впечатляющим дебютом».
В 1974 году Рэнд получил заказ от конгрегации Бнай Йосеф (B’nai Yosef) в Бруклине. Рэнда попросили выполнить тематические фрески на всех внутренних поверхностях синагоги. Работа заняла три года, но в итоге она сделала Рэнда автором единствнной в мире синагоги с повествовательной росписью. Религиозно-правовой спор, возникший из-за размещения настенных росписей в традиционной синагоге, был разрешен вердиктом ведущего в мире знатока Талмуда раввина Моше Файнштейна, который объявил росписи соответствующими закону.
Фрески были встречены с большим энтузиазмом.
В 1970-е и 1980-е годы Рэнд получил признание как художник, чьи работы свободно трансформируются в презентации. Однако для темы данного очерка важно отметить, что в других кругах он был признан авторитетом в области еврейской иконографии.
Новаторская серия Рэнда 1989 года «Картины Главы» (Chapter Painting), в которой каждая картина посвящена одному из 54 разделов Торы, была представлена на новаторской выставке 1996 года «Слишком еврейская» (Too Jewish) в Еврейском музее (Jewish Museum) и затем экспонировалась во многих других городах. К этому времени еврейские художники уже не были новичками в высших эшелонах американского мира искусства, чего нельзя сказать об откровенно еврейской иконографии, которая еще была мало известна любителям искусства.
Интерес Рэнда к иудейскому повествованию проявился в многочисленных сериях картин, каждая из которых написана с использованием новых технических и/или содержательных подходов, например: «Шестьдесят картин из Библии» (Sixty Paintings from the Bible) (1992), «Восемнадцать» (The Eighteen) (1994), «Семь дней творения» (Seven Days of Creation) (1996), «Девятнадцать» (The Nineteen) (2002) и «Хад Гадья» (Had Gadya) (2005). Искусствовед Менахем Векер писал: «Рэнд наметил четко обозначенный путь, по которому должны следовать другие. По-своему он произвел революцию в том, как надо относиться к еврейскому искусству, которое до сих пор считалось вымирающим видом, пока Рэнд не довел его до совершенства».
Поэтому не удивительно, что в 1980 и 1981 годах ему было поручено создание витражей для двух чикагских синагог: Анше Эмет (Anshe Emet) и Темпл Шолом (Temple Sholom), а в 1984 году он получил предложение написать фрески на фасаде Иерусалимского педагогического колледжа. Для этого проекта Рэнд попросил Марка Голдена из Golden Artist Colors разработать систему перманентного нанесения краски на наружные поверхности зданий. Выполнение столь сложных технически работ создало Рэнду репутацию одного из самых амбициозных и опытных художников своего поколения.
На протяжении многих лет Арчи Рэнд успешно и исключительно продуктивно работал в разных техниках и стилях, однако данный очерк посвящен преимущественно еврейской тематике в творчестве художника, и в первую очередь витражам синагоги Шолом, созданых в начале 80-х.
Для синагоги Шолом Арчи Рэнд выполнил 3 витража серии Патриархи (Patriarchs): Авраам (Abraham), Исаак (Isaac) и Яков (Jacob). Расположены они во внутреннем южном коридоре со стороны улицы Stratford.

Довольно большое количество витражей синагога Шолом получила в качестве пожертвований от своих прихожан. По непонятным причинам синагога либо потеряла, либо так и не получила информации об их происхождении. Однако поскольку эти работы представляются мне весьма интересными, считаю нужным привести некоторые из них, избегая многословного описания. Интересующиеся могут заглянуть в Танах (Тора, Пророки, Писания), чтобы освежить подзабытые знания.

На этом я заканчиваю описание витражей синагоги Шолом, надеюсь, что сей очерк может быть полезным любознательному читателю, и при случае приведет его в это чрезвычайно интересное место.